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7 不认真读谱。在拿到一首新的曲目时，有些学生急于求成，不仔细阅读谱子上的信息，除了音符以外什么都看不见，如最基本的速度标记、表情符号等。以致于在练习的初期就丢失了很多作曲家要传达的意图，“囫囵吞枣”式的读谱导致了很多不必要的错误，影响了练习的进度和效果。很多学生没有意识到，如果在练琴初期，就解决了“仔细读谱”的问题，认真领会谱子所传达的意图，就不用在后期的练习中改正已形成的错误了。

8 忽略耳朵的作用。耳朵是练琴时最有效的老师，音乐的走向，踏板的运用，乃至于小小的错音都离不开仔细的聆听。有一部分学生从来不听自己所弹出的音响效果，只顾着用眼睛看谱，用手来演奏。这些学生是因为演奏水平有限，顾不上用耳朵倾听。还有一部分学生，在练习的过程中也想去聆听自己的演奏，可是不知道该如何去听，往往起不到帮助的作用。学会用耳朵聆听是学习过程中必不可少的一个环节，有时老师上课时会给与一些指导，大多数时要自己在练习中有意识有目的的学会倾听，才能在练习中不断调整练琴的方法，改善练琴的质量。

以上的这些坏习惯，一些是练琴的方式方法需要改进，一些是学习态度的问题。坏习惯是阻碍学生进步的最大的敌人，有些可以预防，有些要长期注意，有些已养成的坏习惯要积极主动的纠正。养成良好的练琴习惯才能使学生打好基础，进入更高的学琴阶段。:wink:

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在每次钢琴课快结束时，老师总是会布置了一些课后练习的曲目，有复习的部分也有新曲子。那么如何判断一首曲子已经练好，可以通过了呢？下面提出几点标准，以备学生在练琴过程中比对，尽快弹出一首完整的曲子。

这些标准分两个部分：基础部分和提高部分。基础部分包括：
1， 弹出正确的音符；
2， 弹出正确的节奏；
3， 乐句的划分；
4， 注意表情记号，弹出强弱的对比；
5， 谱子上的指法要在练习过程中固定下来，不要每次用不同的指法；
6， 连线的地方要连奏，有跳音标记的地方要断奏；
7， 使用正确的弹奏方法，不同的地方使用手不同的力量。

提高部分包括：
1， 对曲子风格的掌握；
2， 正确的弹奏速度；
3， 对作品的理解；
4， 曲子整体的把握。

其中基础部分随着学习时间的增加，弹奏水平的提高，应尽量自己在回课前就准备好，有不足的地方，老师上课时会加以补充。而提高部分除了老师上课讲的内容，同时也要多听不同的演奏家的版本，借鉴其对乐曲的处理，达到提高演奏水平的目的。

当然，在学琴初期，很多学生自己不具备完成基础部分的能力，这就需要一个好老师。在好老师的带领下，逐渐建起一个正确的标准。同时，当一首曲子已经达到了上述要求，学生还应重复练习，只有在练习中不断的重复正确的东西，巩固手指正确的记忆，那么一首曲子才能视为已练好、已经完成，可以开始练习下一个曲目了。:wink:

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学生在弹琴的初期，教材上的曲子都包含了一些练习的目的。那么我们是否每一条都要练呢？

往往作曲家会针对一个练习的目的写好几个类似的练习，例如车尔尼（Czerny），巴赫(Bach)等著名的钢琴教育家写下了许多练习的曲目。原则上是教材上的每一条都应逐条练习，这样才能较好的提高学生的技艺。对于一些条件好又用功的学生来讲，多弹几条类似的练习没有什么问题，也不会影响进度。而对于那些没有那么多时间练琴的学生来讲，每个有针对性的练习只要练好了，也不用逐一练习。

曲子是否要逐一练习，第一，取决于练习的要点。如果是相同的练习要点，有些学生弹2,3首即可掌握，那么则没有必要每条都弹。如果一条曲子包含了新的要点，是无论如何也不能跳过的。第二，取决于练习量的大小。相同的练习要点，有些学生不易掌握，需要多练几条才能熟练；有些学生在练习几条后即可较快的掌握，不用每条都弹，那么就可以开始新的练习要点的曲子了。

个别曲子由于学生手小或是曲目较复杂而在短期内无法胜任的，也可暂时跳过。

弹练习曲或乐曲目的是为了提高弹琴的技艺，所以，是每一条都弹还是有选择性的跳过，归根结底是取决于学生的程度和掌握技艺的情况。

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7岁的Marie已经学琴一段时间了。她是个上课专心，练琴认真的孩子，每次来上课时总是能够把老师布置的作业都完成。随着学习程度的加深，曲目由易到难，虽然每次能够弹出全部的曲子，但是弹得很生硬，没有乐感，“不好听”。那么如何解决这个问题呢？

其实，在钢琴学习中，包含了技术和音乐表现两方面，技术支持着音乐，音乐又包含着技术，如果没有了音乐，光是注重手指等技巧，弹出来的乐曲就显得枯燥；如果单纯凭着热情，而手上没有扎实、过硬的技术，音乐也无法表现出来。技术是在每天不间断的练习中积累起来的，而音乐的表现也是通过练习积累起来的。

虽然每个学生在性格、文化背景、天分等方面不尽相同，但是，老师应当在学习钢琴的初级阶段就开始引导他们去听、去想、多动脑筋，用心去感受音乐的变化和内涵，学生才能在练习的过程中享受音乐的美妙，不会觉得学钢琴是件非常辛苦的事情。老师这时应多做些示范，对于学生建立正确的音乐概念是非常有帮助的。我发现很多时候在示范完一首乐曲后，学生会下意识的模仿，就完全和原先弹的不一样，而是弹的越来越有乐感，越来越自然，听起来就“好听”多了。

在音色方面，学生也要多倾听自己弹出来的声音，不同的演奏方法会出现不同的音色。很多学生在弹到较高阶段时都不倾听自己弹出来的音乐，只是一味的、机械的弹奏。而这种情况持续的越久，改正起来就越费劲。老师在教学示范时要让学生多听些声音的对比，逐渐让学生建立起对音色正确的概念，通过声音来调整演奏方法，从而避免完成任务式的，不考虑自己弹的是什么的练习。

最后，在业余时间学生应多听听音乐，除了钢琴的曲目，也包括不同形式，不同乐器的音乐，如交响乐、歌剧等。这对于建立自己的音乐记忆库是很有必要的。因为只有多听才会去模仿，模仿之后才能让自己的音乐语言丰富起来，而在丰富了音乐语言后才能知道什么是自己喜欢的风格，什么是真正自然的乐感。这样才会有选择、有目的的去练习，从而弹出“好听”的音乐。:wink:

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当家长们决定让孩子学习钢琴时，就已经做好了打“持久战”的准备。准备留出每周的上课时间，以及每天在家督促孩子练琴的时间，还要有良好的心理承受能力，和调皮的孩子“斗智斗勇”。有些家长甚至很有“远见”地预测了孩子如果学不下去时，钢琴如何处理。还没有开始学琴，就已经精疲力尽了。其实，大部分家长的压力是来源于自己，来源于对孩子的要求太高、太多。学习钢琴应本着一个平和的心态，认识到钢琴学习仅仅是孩子学习的一个部分，学习的进步来源于每周上课的积累，以及每天练琴的积累。那么每周上课和每天练琴是否需要家长陪同呢？

如果孩子还小，从教学的角度来讲，考虑到孩子的心理生理特点，每周家长的陪同是必要及有益的。因为太小的孩子，很难做到全面的理解老师上课的要求，家长的陪同，能够使孩子更好的理解老师上课的内容，以便回家后能够帮助孩子。年龄大一些，或者弹到一定程度的孩子，理解力、耐心等都比年龄小的孩子强，所以，如果家长没有更多的时间，也可以让他们独自上课。

平日的练琴，对于小孩子来说是一个养成良好习惯的时候。那么在初学时，家长督促的目的是帮助其养成好的习惯，如每天要练多长时间，或是每天什么时候要练琴。如果孩子忘了老师上课的要求，家长还可以提醒他。但是，家长要逐步增加孩子独自练琴的时间，从开始时的全程陪同，到练琴时陪一半的时间，到最后孩子完全自己练琴。这样做的目的是培养孩子学琴的主动性，在练琴过程中，逐渐养成独立思考的习惯。哪怕出现些错误，也会在得到纠正后印象深刻。而不是家长让练多久就练多久，像完成任务似的，练到规定的时间不管内容是否练完，一律终止。而且过长时间的陪练容易造成孩子的依赖性，自己不动脑筋，因为家长已经告诉他哪些地方该怎样弹。老师指出的错误，不需自己记住，因为记不住的时候，家长也会告诉他。

所以，家长陪同练琴的目的是让孩子尽快具有独立学习的能力，一旦孩子不愿意被人“指手画脚”，想自己独立练琴，只要不是怕人管，偷懒不练，尽可以让他自己练习。其实，孩子练琴时是会发出声音的，家长有时不放心孩子自己练琴的效果，可以在另外的房间里听一听，不要一听到错误就去纠正，等孩子练完琴后，再提醒一下，这样也可以让孩子有独立思考、独立练琴的机会，最终达到独自练琴的目的。:wink:

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在阅读乐谱时，细心的学生会发现，有些音符是用较小的字体标记在正常字体的音符旁，这些小音符就是通常所说的装饰音。装饰音，顾名思义就是对音的装饰。就像衣服上的花边，起到一定的修饰作用。装饰音起到修饰基本音的作用，增加了音符的变化，使曲子听起来丰富多彩，不那么单调。但是，不是所有的音符都要加上装饰音的。作曲家会根据创作的需要，加上适当的装饰音。

常见的装饰音包括颤音，倚音，回音等。颤音是指基本音和上方或下方二度音的快速交替。例如在D音上方标记颤音，是指D和E两个音快速交替。有时会标注升号(#)或降号(b),是指装饰音升高或降低，也就是指D和bE,或是D和#C的快速交替。倚音是用小音符和基本音连起来标记，有时是一个音，有时是多个音。单个音也是以二度居多。回音是指从基本音到上方二度音，回到基本音，再到下方二度后仍回到基本音。例如，从基本音D开始的回音，包括D,E,D,C,D五个音，有时也会标记升号(#)或降号(b)，是指bE或#C。

由于年代、作曲家等原因，装饰音的弹法也会略有不同。如莫扎特的钢琴奏鸣曲中的装饰音和巴赫的“前奏曲与赋格”中的装饰音的弹法会有所区别。即便是同样的谱子，不同钢琴家弹的也会有所不同。这主要取决于对作品的理解和个人的喜好。

中国钢琴曲中较有代表性的是作曲家王建中根据唢呐曲改编的“百鸟朝凤”。在这首曲子中，由于巧妙运用了装饰音，百鸟欢鸣的声音被惟妙惟肖的表现了出来，体现了装饰音的巨大魅力。

总之，装饰音有着巨大的艺术表现力，是音乐表现的一个手段。只有在练琴中反复琢磨、比较，并且了解不同年代的音乐风格，才能正确的弹奏出装饰音。;)

julie2000

一直都想让孩子学点钢琴，很好的信息。

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在学习钢琴演奏中，聆听大师的演奏是弹好钢琴的“必修课”。大师们的演奏使我们受益匪浅，经常会在他们的演奏中获得灵感和力量。大师们的演奏或荡气回肠，或沁人心脾，使我们的心灵在聆听音乐的同时获得升华。并因此领略到不同钢琴演奏大师的不同人生，不同的音乐丰采。

从本期开始，我将陆续整理、编辑并介绍系列钢琴大师，给那些希望迈进音乐大门的孩子们一个全新的视野。

钢琴家介绍系列（一）----意大利钢琴家米开朗基里（Arturo Benedetti Michelangeli 1920-1995）

阿尔图劳·贝内得蒂·米凯兰杰利（Arturo Benedetti Michelangeli）意大利钢琴家， 1920年出生于意大利的布雷西亚。早年就学于布雷西亚和米兰音乐学院。1939年，他在日内瓦国际音乐比赛中获奖，从此名声大震，活跃于国内。

二战之后，他在欧洲各地旅行演出，引起轰动。1972年，他移居瑞士，成为国际上瞩目的钢琴大师。他的演奏具有一丝不苟的求全精神。他得体而适度地控制分寸，把每一个音都赋予充分的表情和生命；他在创造出美好音乐的瞬间，把人们带进了虚幻而美妙的境地。与其说米凯兰杰利是为了做一个忠实的演奏家，以便更好地再现作曲家的创作意图才苟求于钢琴，倒不如说他自身就是一位成功的创造家，因为他具有独自的美学观点。

米凯兰杰利还是一个完美主义者。录音曲目很少，但在很少的录音中，他的每个录音都被奉为那个曲目的典范。

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格伦·古尔德 （Glenn Gould，1932年-1982年），加拿大著名的钢琴家。自幼随母亲学琴，后入多伦多皇家音乐学院学习。其演奏以严谨的结构、丰富多彩的变化、生动传神的处理，令人叹为观止。他演奏的曲目相当广泛，但以演奏巴赫作品获最高评价。

1955年到美国公演，弹奏巴赫(J.S. Bach)的作品《哥德堡变奏曲》，一举成名。

以后的几年，古尔德是在繁忙的演出中度过的，每年都要举行几十场音乐会。这样的生活让古尔德觉得，繁忙的演出已经使自己没有时间和精力去仔细思考音乐中更深层次的本质。他开始考虑离开舞台。1964年4月，当古尔德在洛杉矶开完音乐会后，他再也没有回到公众舞台上来----谁也不会想到，古尔德彻底放弃了音乐会。


离开了喧嚣的舞台，古尔德把大量的时间和精力倾注在录音室里，在这里，他可以有更多的时间，更从容的心态。录音室使古尔德彻底的摆脱了时间和空间的限制，他可以考虑录制成套的钢琴作品。

古尔德录制的曲目包括巴赫(J.S. Bach)的《哥德堡变奏曲》,《平均律钢琴曲集》, 《帕蒂塔》等艺术性极高的曲目，其唱片一直是古典音乐爱好者的经典收藏。其中《哥德堡变奏曲》在他的一生中录制了两次，成就了两个美妙绝伦，但风格迥异的辉煌版本。除此之外，古尔德还录制了莫扎特、贝多芬、西贝柳斯、斯克里亚宾、欣德米特等众多作曲家的作品。他所录制的阿诺·勋伯格钢琴作品全集亦受到高度赞赏。

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钢琴大师阿尔弗雷德·布伦德尔（Alfred Brendel，1931年---）是一位奥地利钢琴家。他被广泛认为是20世纪后半叶最伟大的古典钢琴家之一，是20世纪德奥钢琴学派承前启后的代表人物。他的演奏风格继承德奥体系的传统，注重乐曲结构和内在张力，以广博的知识、高超的技艺、丰富的想象力而见长。

布伦德尔十七岁在格拉茨举办了他的第一场公开独奏会。早期以演奏李斯特的作品名噪一时，后期对舒伯特的作品有独到的演绎，被认为是当今最权威的舒伯特作品演奏专家。他演奏的舒伯特奏鸣曲自然是权威的诠释。

贝多芬也是布伦德尔演奏曲目的重心。他演奏的贝多芬32首奏鸣曲也受乐坛好评。他精于演奏巴赫、海顿与莫扎特的作品，长于诠释舒伯特、舒曼、勃拉姆斯与李斯特的音乐，是一位罕见的质量并重型钢琴家。

《乐思与回想》是他一生的经验总结，也是他对音乐艺术的又一贡献。:wink: