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Original by Margaret Macpherson, the Canadian Music Teacher, Volume 62 – Number 1 – September 2011, P46-P48
l 除了定期日常练习之外，你还应该在需要的地方，放慢速度练习，改正你的错误，不断重复练习困难的部分等等。这些工作都应该在你预演的前2周开始了。使用你划分的段落，反复练习你已经改正的、容易出错的部分。当你出现一个不经意错误的时候，首先改正它，如果再没有错误出现，才可以继续。如果你实在是混淆了，你也可以直接跳到标记的下一段。之所以这么做，是因为再次从头开始永远都不是个好主意。-只有一种情况例外，那就是你的问题出现在开始的头三个键，或者你实在是弹不下去了。把乐曲从头至尾，没有回放或是跳过的完整演奏，才是我们应该牢记的目的。
l 在一场没有把握的演奏会中，你陷入了既不能改正错误且也无法继续演奏，甚至无法回到开头的部分重新演奏的尴尬境地，这时候你就需要一个“危机处理”的备选方案。如果这种情况真的发生了，你必须直接跳到结束部分。在这个方案中，你需要了解乐曲的结束部分，包括结束部分最后一段的名称和乐谱。选择一处正确的位置和段落，作为你结束前的紧急出口。在所有成功的音乐会中，演奏是必须要继续的，不能人为的停下来。那么，在你演奏会的前几周，就应该这么准备：反复练习故意出现重大失误，然后直接使用你的紧急出口。这仅仅是备份，你大概不会期望在现场用上这个方案吧。
l 在演奏会前，将你独奏部分预演给其他人听。将你自己放在一个没有恐惧，但是有适度压力的场景下。让你的朋友、父母、邻居都来做你的听众，你甚至可以将喜欢的填充玩具摆放在沙发上作为你的听众。练习一下优雅的鞠躬吧，然后微笑着面对你的听众们。-特别当你演奏情绪低落的时候，尤其要如此。这是因为，你必须要让你的听众感到舒适，同时也对你的演奏充满信心，而不是让他们反过来担心你是否可以完成这次演奏。即便偶然的失误或是问题暴露在你的听众面前，你也不必特别的大惊小怪。（to be continued...）:wink:

德福佳运_

许老师，您好！
您不仅是音乐家，也是音乐教育家！非常非常荣幸结识您！

已发短消息给您了，请查收！

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Original by Margaret Macpherson, the Canadian Music Teacher, Volume 62 – Number 1 – September 2011, P46-P48
提升演奏状态的入门宝典
上一部分主要是学会阻止演奏变糟。解决的方法主要就是准备一个危机处理的方案-一个你并不准备使用的方案。你应该准备演奏的更好。牢记这一点，并以此来帮助我们将演奏达到最佳的个人状态。

l 为自己设定一个个人的最佳目标。这是你自己能够完成的、最棒的一次演奏。这是你自己最高水平的一次演奏，也仅仅是属于你自身的一次个人最佳演奏。

l 在正式演奏的前几周，将曲目从艺术性和技巧性这两个方面的要求和你的老师进行探讨。并且，尽你所能的将这些内容熟记于胸。

l 在演奏或是考试的临近几周，开始仔细聆听自己的练习，并且进行自我评价。比如，可以对自己说，“这一部分很优美，但是这一部分还有错，或是没有激情，或是太快且节奏不正确。”当你这么尝试时，你总可以让错误暴露出来。将警示符号标注在这些你应该当心的地方，当演奏到这些地方的时候，可以弹慢一些来保证正确性。这些地方的演奏状态将成为你演奏中状态最好的部分。

l 避免你的思想中出现“负面影响”。这种情况通常出现在你演奏的前一周，甚至更早一些。这种负面的影响包括，“我可能会搞砸”，或者“大家都在看着我”，或者“其他人都比我弹的好”，或者“我似乎应该躲起来”，或者“让这烦心事儿早点过去吧”。停止这种想法真的是非常重要，同时对所有的演奏者来说，这是一种普遍的想法。这些仿佛是一只小猴子跑到你脑子里说的些废话。你应该立即对自己说：“去你的吧，小东西，我才不听你的呢！我有自己的计划-我可以搞定我的音乐！”

l 有些学生演奏者容易出现以下的错误：当他们来到演奏现场，他们会对自己说，“上帝啊上帝，我最好现在好好弹”。然后，他们弹的很快，或者声音很大，或者超出时间，甚至任意变更自己平时练习的内容。请记住：“好好弹”并不是意味着弹的和平时练习的不一样。“好好弹”意味着恰到好处、准确无误的，将上周老师教的东西演奏出来。

l 在舞台上，尝试享受真实的舞台体验。你有可能演奏的比你任何一次排练都要好。这是因为，到场的每一位听众都饱含了对音乐的期待和与音乐沟通的特殊愿望。

l 保持良好的心态，展望你的演出。全身心的投入到你的演奏中去。可能，你会看到一个紧张的演奏者-所有的一切都刻在他的脸上，所有的紧张都通过他的肢体语言表现了出来。当你作为听众席的一员，你也会感到不舒服，并且为这位演奏者惋惜。你自己要坚决避免出现在这样的一副场景中。实际上，比完美演奏更重要的是感受音乐所包涵的一切。（to be continued...）;)

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Original by Margaret Macpherson, the Canadian Music Teacher, Volume 62 – Number 1 – September 2011, P46-P48

演出日的要点和建议
l 提前10-20分钟到现场。演出的前一天不要安排的太满。事先不要和其他人多讨论。缓慢的呼吸，让你的心率减慢。静静的看看自己的曲目，告诉自己，脑子里没有空间放什么其他的负面影响，你的音乐中还有太多的东西和细节需要你牢记。

l 如果你在演奏中出现了问题，不要让它反应到你的脸上。深呼吸，垂下你的双肩，放松并且继续演奏，就像什么都没有发生一样。这不会有任何的问题，那是因为你记得平时已经练习过，并且你也知道如何在压力下处理这种反应。

l 虽然你的目标是准确无误，并且没有明显错误的演奏，但是展现出一些特别的、你自身的东西，甚至一段即兴的东西，也是非常重要的。这会让大家清晰的感受到，你不仅和音乐在交流，也在和你的听众交流。强烈建议大家记住一句源自我自己钢琴老师的话，“将每一个音符放在听众的心上”。


结束语

演奏是个花时间的活儿。重复正确练习的次数和练习花费的时间，最终都可以用来准确预见你在舞台上的表现。（法语中练习的单词通常表述为“repeter”-重复）。当你面对听众的时候，你的演奏应该很少受到情绪影响。我们能扭转紧张的局面。我们控制紧张，但无法控制不紧张！这个工作必须满足两个前提，对演奏乐曲踏实的准备（练习、记忆，并不是拖到最后一分钟），以及真正全身心的投入，用所有的舞台经验来磨练你的演奏状态。最后就是我们应该明白，不仅是在公众演奏前，而且在演奏中，我们都需要控制好自己的情绪。如果你在身体上和精神上都做好了充足的准备，我们的艺术创造力才能迸发。（the end）

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Lili是一个4岁的小女孩。第一次到我这里来，她穿着漂亮的裙子，信心满满地端坐在钢琴前，似乎已经准备好开始第一次钢琴课了。可是学了不到2个月，就开始三天两头的请假。即便来了，回课时也没有太大的进步。不由得询问起她在家的学习状况来。家长反映说：不知为什么？最近变得不怎么爱弹琴了。是不是孩子太小了? 还是别的什么原因？

其实，无论是在学琴的哪个阶段，都会出现学习上举步维艰的时候，尤其是刚开始学琴的小孩子。手还不知道如何去弹奏，一个像样的曲子也连贯不起来，每天还要重复那些基础训练，实在是和自己学琴之前的想象差距太大了。过不了多久，逐渐就会失去练琴的动力和对钢琴的兴趣。更遗憾的是，有些家长并没有认识到此时坚持下去的重要性，且出于对孩子“自由发展”的片面理解，而听之任之。“不想弹了就先放一放吧！”，殊不知此时是孩子手指打基础的时候，无论是4岁学也好，14岁学也罢，都会有这个过程，此时的“放一放”，也许就演变成最终的放弃了。其实引导孩子对待练习钢琴的正确态度，应该首先是让孩子感觉到每节课都有所进步，并产生成就感。取得这种成就感，就会在初期的基础学习中增强他们的兴趣和信心。孩子会很容易因为不能一步到位的弹奏一首完整的曲子，由此而产生挫折感，进而片面的产生自己能力不行、弹琴不像自己认为的那么有趣、和自己的想象相距甚远等负面的想法。知易行难，倾听他人行云流水般的演奏容易、上一两节钢琴课容易、听懂老师讲课的内容也相对容易，可是一旦落实到自己的指尖来演奏，那根本就是两回事。更何况是一个初学者，试图把手指，节奏，音符等因素在一瞬间结合起来，流利的演奏一首曲目，那更是不可能完成。这就好比，刚学习完驾驶理论，就希望自己能驾车在高速公路上飞驰；或者刚听完教练教完游泳的理论技巧，就认为自己可以畅游于江河湖海一样，是不切实际的。需知，不积跬步无以致千里，不积小流无以成江海。饭要一口一口的吃，学习也要一天一天的积累。

起初在每节课看似简单的教学背后，很多家长并没有意识到，此时正在经历着对孩子来说很重要的时刻。即对手指机能、耳朵、乐感、节奏等等方面潜移默化的训练，以及一些初步乐理知识的学习。这时候如果半途而废，那么不仅前期的准备和努力都将付之东流，而且还将严重地打击到孩子的兴趣和积极性。即使过一段时间再重新开始学琴，原本有趣而简单的学习，也会因为上次的经历使孩子心有余悸，以至于学习效果大打折扣。所以，这时家长及时鼓励孩子、共度时艰，帮助孩子坚持学习下去是非常有必要的。这也是对孩子毅力的培养。因为无论是学习画画、下棋，或是其他什么技能，也都会碰到这个问题。难道仅仅就因为一点点小小的困难就轻言放弃吗？家长要做的是帮助孩子们找到原因和解决问题，而不是一味的让孩子“自由发展”。并且要借此，培养孩子自己独立发现问题、面对问题、解决问题的能力问题。一个好的学习习惯，也是在这种不断地解决问题中养成的，这也会让您的孩子终身受益。

一个初学者，从完全不会弹琴，不会运用手指，到要自如的控制手指，例如让二指弹就能用二指弹，让四指弹绝对不用小指弹，成人尚且困难，更何况一个4、5岁的孩子。这一切都需要时间，也需要一个循序渐进的过程。同时，这也是一个必须的，且十分重要的过程。就像房子打地基，打的越牢固，房子就能盖的越结实，倒塌的可能性就越小，进而质量就越好。如果我们一味的抢进度，不顾客观条件一味的大干加快干，最终也就成了“豆腐渣工程”。有些家长急于求成，一味的追求进度。殊不知将来一旦返工，重新纠正基本演奏方法的时候，将不得不浪费家长大量的时间和金钱，孩子更是痛苦不堪。那时，坏的习惯已经根深蒂固，新的问题又不断涌现，对孩子的耐心将会是个极大的挑战。所以在学琴初期，在学习手指基本演奏方法的阶段，首先要学习正确的演奏方法。遗憾的是，并不是所有的孩子都能学到正确的演奏方法。其后果就是，房子盖的再高也摆脱不了最后推倒重来的命运。在初级阶段，一个合格的老师总是会重复强调一些知识点，并且用标准的示范来引导孩子正确的运用到手指的弹奏中，家长不要以为老师一直在重复相同的东西。其实“磨刀不误砍柴功”的道理，相信您也是懂的。在每节课上，孩子经常将同样的问题出现在不同的方面，就好像一颗钻石需要多面的切割和打磨才能绽放出璀璨的光芒一样。在老师的监督和引导下，让学生能真正地控制好自己的手指，从多方面、多维度的系统解决基础的手指演奏技巧问题，才是我们此阶段学习的真正目的。这一切的一切，都需要时间、耐心，以及老师正确指导下的扎实练习。

学习钢琴贵在坚持，也贵在扎实。贵在坚持，不仅是孩子的坚持，更是家长的坚持。那是因为，孩子之所以能坚持，关键还是家长的引导和鼓励。贵在扎实，不仅仅是孩子学习基础的扎实，更是老师专业技能的扎实。那是因为，孩子之所以基础扎实，关键还是老师的正确指导和言传身教。坚持和扎实，才是孩子打开钢琴艺术大门的必备钥匙。:wink:

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关于24个大小调，原本以为是个很基础的命题。因为只要是学过钢琴的人，都会在课堂上或多或少地接触到，并且作为一个必学的知识融入到钢琴学习中去，而且无论是平常的练习还是考级考试中，都会出现。我所做的只是总结归纳了一下，让大家更加能够容易地记住这些音符。没想到很多学生看了后，告诉我用这些方法真地能够很快的记住那些在他们看来根本没有关联的音符，但是，关于小调部分讲得太少，还有其他一些相关问题，我在此篇文章中一并加以说明。

上一篇着重介绍了大调的规律，以及如何快速找到每一个调，而小调部分只介绍了自然小调的规律。如果你已经由此而对大调有了一个全面的认识，并且稍稍花了些时间记住了所有的大调，那么小调就没什么难的了。

小调分为自然小调，和声小调和旋律小调。自然小调是在相关的大调上，从第六级音开始，到下一个相同音结束，音与其关系大调音一致，没有额外的变化。例如，C大调的关系小调就是a小调，C大调是没有升号没有降号，那么a小调也是没有升降记号。再例如F大调是含一个降号（bB），那么其关系小调d小调也是含一个降号（bB）。

和声小调和旋律小调都是在自然小调的基础上变化而来。具体的说，和声小调是升高了自然小调中的第7级音，如C大调的关系小调是a小调，为
6 la， 7 si， 1 do， 2 re， 3 mi， 4 fa， 5 so， 6 la
那么在a小调中的第7级音就是5 so，a和声小调应为：
6 la， 7 si， 1 do， 2 re， 3 mi， 4 fa， #5 so， 6 la
并且上行（xing）与下行弹奏的音一致。

旋律小调是在上行弹奏中升高了自然小调中的第6，7级音，在下行弹奏中还原第6，7级音。仍然以a小调为例，a小调中的第6，7级音就是4 fa，5 so，a旋律小调应为：
上行：6 la， 7 si， 1 do， 2 re， 3 mi， #4 fa， #5 so， 6 la
下行：6 la，5 so，4 fa，3 mi，2 re，1 do，7 si，6 la。
由此一来，小调也变得简单而容易记住了。
简而言之，大小调的关系如下：

大调（第6级音）→
自然小调（#第7级音）→
和声小调（#第6级音）→
旋律小调（上行，下行需还原6，7级）
据此规律，大家可对照考级谱子或《哈农》音阶部分，发现只要熟练掌握大调，小调也会迎刃而解。有时，学生在弹奏较复杂的曲目中，不太容易听出错音，原因之一就是对调性不熟。如曲目是和声小调的调性，升高的7级音是非常明显的一个特征，这时因为对其调性不熟，应该升高7级音而没有升高，弹奏过程中出现错误。这些情况会随着弹奏的熟练程度和对调性的熟悉程度而有所改观。
在弹奏音阶的指法方面，也有一定的规律可循，最常见的指法是：
上行：右手（手指）：
1 2 3 1 2 3 4
1 2 3 1 2 3 4 5
左手（手指）：
5 4 3 2 1 3 2 1
--4 3 2 1 3 2 1
下行弹奏反之。

以上是以两组八度为例，如需弹奏3组或更多组，右手每增加一组就多重复一遍第一行指法，左手每增加一组就多重复一遍第二行的指法。下行弹奏亦反之。
当然，这是用的最多的一组指法。但是如果是黑键音开头，一般右手是2指开始，而左手是3指或4指开始，具体的调有不同指法，需个别熟记。并且，还有一个例外，就是F大调音阶，右手指法是1 2 3 4 1 2 3 1 2 3 4 1 2 3 4，是不用5指的，左手按常规指法。

关于如何识别大小调，最简单的方法就是看第3级音，如果主音（就是音阶中的第一个音）到3音是大三度，就是大调；如果主音到3音是小三度，就是小调。例如C大调和a小调的区别在于，C大调的主音1 do到三音3 mi是大三度，也就是4个半音，而a小调的主音6 la到三音1 do是小三度，即3个半音。从听觉上讲，大调比较明朗阳光，而小调较暗淡忧郁。

以上所述希望不仅是针对正在学习钢琴的人，也针对那些渴望了解钢琴知识的人有所帮助。因为钢琴学习不仅是学习演奏本身，也涉及到多方面的音乐知识，只有对其深入地了解研究，才能更好地帮助我们离钢琴更近。

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当拿到一首新的曲目时，是否需要先分左右手练习，等到左右手分别弹好后，再合手练习呢？关于这个问题，我想从两方面来谈。

首先，谈谈合手练习。一般来说，当学生第一次拿到一首新曲目时，两个手能同时弹奏是最好的。如果不具备这种能力，也要慢慢培养。因为在音乐的进行中，我们的耳朵需要听到的是双手合在一起演奏的声响效果，单独弹左手或是单独弹右手都不是一首完整的乐曲。并且，左右手都分别弹熟后，合在一起时也需要练习如何合奏，而不是有些学生想当然的认为自然就会合奏了。如果孩子还比较小，对于五线谱上的音还不是特别熟，可以分开看上一行和下一行的音，这小节看完后左右手一起弹，然后再看下一小节的音，再一起弹。那么久而久之，就会养成一个良好的看谱习惯，并且能增强视奏能力，也就是俗话说的“拿到谱子就能弹”。

另外一种情况就是在乐曲的某个难点处，需要左右手一起练习，有时可能是一小节，有时可能是一段乐句。这时，学生需要练习的就是如何使双手协调，如何让左右手更好的同时弹奏出来。此刻，单独左手或右手分开来练习，已经能弹的很好了，可是双手合在一起就是不能完整地弹出来，所以这时练习双手的合奏，是非常必要的。

其次，谈谈分手练习。当遇到技术和音乐上特别难的地方，左右手分开练习也是必要的。比如，练习巴赫的作品时，我经常会让学生单独弹奏一个声部。有左手单独练习，也有右手单独练习的部分，为的就是让他们能更好地听到主题或对题，使演奏出的声部更具有歌唱性，而不要断句。

最后一点，也是最重要的一点，同时也是以上练习的前提——就是要放慢速度慢练。只有在放慢速度的练习过程中，才能让我们更好地找出问题所在，更好地让双手和钢琴协调，且能够更好地胜任作曲家交给演奏者的任务。:p

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对于大部分学生来说，认为读谱无非是把音符弹出来就行了。其实谱子上有很多有用的信息，而其中一个比较重要的信息，常常会被忽视，那就是指法。

程度较浅的谱子，如初学者的谱子上，左手或右手通常只出现一个手位。如果右手的第一个音是从第3指开始，那么后面的音即使不标指法，也是用第2指或大指弹出相对应的几个音，如汤普森《初级钢琴教程》第一册的“玛丽有个小羔羊”。如果手位改变，对于关键音的指法，谱子上会有所标出，这时只要照着标好的指法弹，就可以了。在学琴初期，看清楚谱子上的指法是非常重要的。因为良好的练琴习惯不是一天两天养成，如何读谱是其中很重要的一项，而指法是读谱中不可缺少的一个环节。看清楚指法再弹，不仅可以养成一个良好的练琴习惯，而且能够通过一次次的积累，养成良好的手指感，以便在今后日益变难的谱子中，具备正确使用指法的能力。

在一些程度较高，记谱较为复杂，演奏技巧较深的作品中，除了谱子上已标出的指法部分，剩下的也会有不标指法的部分。这时应仔细阅读已标出的指法部分，反复慢练，推敲。因为此时学生已具有一定的演奏技巧，如果发现有个别不适合自己手指条件的指法，可略做改变。如F. Liszt的“La Campanella”，开头的右手部分，有很多大的跨越。如果是手指跨度小的人演奏，在不影响左手弹奏的情况下，也可以让左手承担一些本该右手弹的旋律音，但务必把改动了的指法用铅笔标在谱子上，以便练习的时候照着改动了的指法弹奏，而不是每次随便用不同的指法弹奏。同样，这一方法也用在没有标出指法的部分，在练习初期，就标上已考虑好的指法，那么在以后的练习中，只要反复练习固定了的指法，就可以了。

总而言之，指法的正确运用对于演奏者来说非常重要，如果在平日练习的过程中加强重视，那么练琴的效率会大大提高，起到事半功倍的效果。同时，只有养成一个好的练琴习惯，在练琴过程中重视指法等细节，才能更好更快地提高演奏水平。:wink:

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说到练琴，大部分学生会觉得这是多么平常简单的事情。每周上完课回来，把老师上课布置的曲子弹几遍，只要下节课能弹出来不就行了吗？甚至有些学生或家长，没有认识到练习的必要性，以为每周到老师那里上节课就行了，回家后就放任自流、不管不问。其实，在整个学琴的过程中，练习是个很重要的环节，是一个把知识融会贯通的环节，也是一个通过正确练习来真正掌握和吸收老师讲课的重点，且变为己用的环节。

遗憾的是，在北美长大的孩子，由于学校学习负担不重，在这种长期轻松的学习氛围下，容易片面的认为不练习或少练习也可以回好课。可是每周回课时总是不能达到老师的要求，久而久之，就会造成学习进度缓慢，逐渐失去学习兴趣等诸多弊端。归根结底，这就是不重视练习的后果。换句话说，就是平时和钢琴待的时间太少了，还没有和它成为好朋友，并且不能体会到与其相伴所带来的快乐。

既然练习是如此的重要，那么什么是正确有效的练习呢？对于初学者来说，如果拿到手中的是一首新的曲目，应首先看清楚这首曲目要练习的目的是什么。有时是为了认清一组全新的音，有时是为了熟悉一个新出现的调号。。。那么在识谱过程中就要多加注意，力争练习时少出错。其次，初学者要学会分段练习。那么如何分段呢？一般来说，短的曲子每2小节分一段，稍长的曲子，每4小节分一段，一段一段地练习。第一段练熟了，再练第二段；第二段练熟了，就将一、二段连贯起来练，并以此类推。有时，最后一段与第一段大致类似，那么练习的过程就会缩短。这样会让初学者觉得这首新曲子很容易快速掌握。哪怕今天只练了两小段，但却是非常熟练的两小段，也比结结巴巴的从头弹到尾要好。因为，第二天或第三天把第三段、第四段练熟，那么这首新曲子就已经基本掌握了。相反，一遍遍从头到尾把曲子弹下来，并期望在一遍遍的重复中，自然而然就把曲目弹熟，这种练习方式是不可取的，甚至是浪费时间。如果是一首老师上课讲过的曲目，还需要重新练习，那么最简单的方式是把老师提出的问题单独并且重点练习。在解决好这些问题的情况下，将问题部分的前面小节与后面小节连接起来练习，从而达到事半功倍的练习效果。

通常，重复是练习的基本要素。但是，要重复正确的东西，如老师上课已改进的手型指法等等。很多情况下，不仅是初学者，有时甚至是学琴很多年的学生，为了图一时之快，听到自己能够快速而完整的弹奏出一首心仪的曲目，即不管也不顾很多需要改进的问题，就自我陶醉的演奏。那么这就是对于前面正确练习的倒退，换句话说，就是浪费了前面练习所花费的功夫。正确的练习方式是重复练习改正好的正确手型、指法、技巧以及经过反复推敲的音乐处理等等。在重复练习的过程中，把正确的弹奏方法逐渐变为下意识的弹奏，才能算是真正意义上掌握了这首曲目。如果想再进一步变成自己的成熟曲目，是需要经过舞台锤炼的，这里就不再累述了。

看到这里，学生和家长都会问，到底每天练习多长时间是合适的？要照这么练习，是不是每天必定要练习2、3个小时？其实不然，每天练习的时间不是取决于家长规定要练的时间，而是取决于如何练习和怎样练习。有重点、有目的地练习半小时远比流水账式的练习一小时有效得多。那么在积少成多的过程中，会不知不觉养成良好的练习习惯，并会帮助学生在音乐的道路上走的更久，走得更远。;)

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在演奏会上，经常会有一些学生，上台后忘记谱子或是弹错段落。演奏会后，大家总是会安慰那个沮丧的演奏者：没有关系，是紧张，下次多放松些就不会这样了！演奏者也似乎找到搪塞自己的理由。可是，在台下明明弹得很熟练，怎么到了台上就会这样？其实很多学生都认为在台下弹熟练了，就自然可以背下来了，然后就可以上台了。然而，在台上演奏时，总是会出现各种各样的原因导致脑子突然出现空白，甚至有的学生上台后连第一个音都找不到。紧张固然是部分原因，但是最大的原因还是背谱的问题。

背谱是钢琴演奏中不可忽视的一个重要环节。有时，学生觉得背谱并不困难，只要多练习，自然就背下来了。其实这种记忆并不可靠，这只是手指本身因为训练的原因，形成的“手指记忆”，也仅仅是一种条件反射，而并没有真正把谱子记到脑海里去。当演奏环境改变、情绪紧张、或是其他条件导致演奏者不适时，条件反射突然不复存在，就容易出现记忆空白。就像是一个人正看着谱子弹时，突然被人把谱子拿走，那么他就不知道该怎么弹了。实际上，他并没有真正记住谱子。由此而言，背谱是需要训练的。在练琴的过程中，除了运用“手指记忆”外，还应结合对和声旋律的“声音记忆”，以及对乐谱本身的“形象记忆”来背谱。并且，随着年龄的增长和演奏技艺的提高，从作品本身的角度进行分析，做到有意识的背谱。即使演奏中出现短暂的问题，也会因为熟悉谱子而很快找到连结点，填补了记忆上的空白。

对于一个初学者来说，他可能还没有多少关于和声或曲式等的概念，教师也不必对其过多的强调这些专业术语。但是，需要提醒他段落和段落之间的关系，有哪些是一致的，有哪些是不同的。当出现和声变化时，要多注意用耳朵去听，变化的部分同样也是要多加注意的部分。关键是让初学者在识谱、背谱的过程中，找到规律、理清乐曲框架或结构。如果把乐曲的结构掌握了，那么背谱也就不是一件很困难的事情了。

对于高级阶段的学生，要把背谱完成在识谱阶段。背谱是一个学生掌握一首乐曲的第一步。当他把一首乐曲识谱完，也就是背下来时，那么这首乐曲的整体音乐效果才在他的脑海里形成一个初步概念。在此基础上，随着技术上的不断完善，乐句处理得越来越成熟，谱子在脑海中会越来越清晰，从而更加有利于加深对乐曲内容的理解和思考。久而久之，谱子就像印在脑海中似的。当演奏时，眼前好像出现了谱子，甚至某个段落在乐谱的第几页第几行都一目了然。

为了上台时少出现或不出现背谱失误，除了在台下细致扎实的练习外，还要在上台前多给别人完整地演奏几次。之所以如此，是因为自己埋头苦练和弹奏给他人听，从状态上来说，是完全不同的。此时出现的错误，就是练习时还需要改善的地方。几次之后，会让谱子更加深刻的印在脑海里。那么，上台就会更加有把握了。总之，背谱是一个演奏者所必须具备的能力。只有运用好的方法训练，才能日渐提高背谱能力。同样，只要坚持训练，演奏者的背谱能力也会越来越快。:p